La tercera reseña, del tercer álbum de la trilogía de Green Day, que escribí nuevamente para Oídos Sucios, y que había olvidado compartir por este medio.

 

Finalmente llegó el cierre de la trilogía de Green Day, que inició en septiembre con ¡Uno! y siguió en noviembre con ¡Dos!

Originalmente pautado para salir en enero, este tercer álbum fue adelantado a diciembre para compensar la cancelación de una gran cantidad de shows, decisión que la banda tomó debido al proceso de rehabilitación por el que está pasando Billie Joe Armstrong, luego de que tuviera un arranque de ira en el escenario del iHeart Radio Festival, donde le quitaron 20 minutos de presentación a Green Day (sin avisarles con anticipación) para dárselos al rapero Usher, y se los hicieron saber con un cartel indicándoles que les quedaba 1 minuto de presentación mientras tocaban “Basket Case”.

Es así como, un mes antes de lo que se esperaba, llega ¡Tré!, el final de esta trilogía, llamado así por el apodo del baterista (Tré Cool). En los dos álbumes anteriores nos vimos envueltos en diferentes “ambientes”, se podría decir. ¡Uno! fue una explosión de Power Pop y Punk-Rock noventero, ¡Dos! fue una fiesta de Garage Rock y Rock & Roll. En ¡Tré!, sin embargo, no ocurre lo mismo. De hecho, el álbum podría aproximarse a ser una combinación de los dos anteriores, pero eso no alcanzaría a describir el aire semi-alternativo que tiene. Muchas de las canciones tienen tonos muy personales, por lo que uno fácilmente puede identificarse con ellas, y al escucharlas, te dan cierta sensación de intimidad.

Una cosa sí es evidente: con el tracklist de este álbum, se tomaron mucha libertad creativa, y en cuanto a influencias musicales se refiere, tiene muchos matices. Desde que inicia “Brutal Love”, con ritmo de Vals y tintes de Soul, te das cuenta de que no es un álbum típico de Green Day. Si bien pudiera parecer que algunas canciones están fuera de lugar para la propuesta que la banda venía ofreciendo con los álbumes anteriores, toma escucharlo unas cuantas veces para que las canciones vayan calando. No obstante, hay canciones como “Missing You”, que si bien no es una mala canción, suena repetida luego de haber escuchado “Stay the Night” y “Fell For You” en ¡Uno!; o “Drama Queen”, que tiene aire de ser más un demo hecho por Billie Joe en el mini-estudio de su casa de playa en California que ser material lo suficientemente fuerte como para un álbum, el mismo caso de la canción que abre ¡Dos!, “See You Tonight”.

De aproximadamente 60 canciones que fueron escritas para un álbum que desembocó en una trilogía (según reveló Billie en parte del  documental ¡Quatro!,que fue transmitido a finales de noviembre por el canal de televisión Vh1), uno no puede evitar preguntarse: ¿pudieron haber utilizado algunas canciones diferentes? La respuesta la dará el tiempo. Algo similar ocurrió con 21st Century Breakdown, para el cual se escribieron originalmente 45 canciones, y a más de 3 años de su lanzamiento, mantiene un buen lugar entre la discografía de la banda, pese a las críticas que recibió.

Pero el álbum, en su mayoría, trae canciones bastante buenas, que gustan desde la primera vez que se escuchan: “8th Avenue Serenade”, una pieza bastante divertida melódica y armónicamente hablando, que suena como a una canción que podría haber escrito el Blink-182 post 2004; “Amanda”, otra canción excelente (que curiosamente, vendría siendo la 5ta canción de Green Day con un nombre de mujer); “Sex, Drugs & Violence”  (cuyo título recuerda a “Blood, Sex and Booze” del álbum Warning), otra canción con ese sonido de vieja escuela  característico de la banda, y que tiene un par de líneas cantadas por el basjista, Mike Dirnt.  También tiene canciones bastante nostálgicas, como “Little Boy Named Train” y “Walk Away”. “X-Kid”, que es uno de los puntos fuertes del álbum, también es una canción un tanto melancólica, que bien pudiera haber escrito Billie refiriéndose a sí mismo. La canción tiene un riff de guitarra con sonido vintage, mientras que al llegar al coro, suena muy a 21st Century Breakdown.

Otra canción que sobresale (y en mi opinión, la mejor del álbum) es “Dirty Rotten Bastards”, que recuerda un poco a lo que hiciera la banda anteriormente en American Idiot, cuando escribían canciones con varias partes (aunque esta no esté expresamente escrita así). Inicia con una melodía que te hace querer cantar y bailar, y luego pasa de unos coros irónicos y alegres, a una parte mucho más rápida y fúrica (tanto instrumental como líricamente), para luego volver al inicio. Está ubicada casi al final del álbum, y parece algo casi estratégico, puesto que para la segunda vez que se escuches el álbum, querrás llegar a esta canción, que casi parece sacada de una de las óperas Rock de la banda.

Finalmente, llega el cierre del álbum y de la trilogía con “The Forgotten”, una canción que parece extraída del álbum Let It Be del cuarteto de Liverpool. Es una pieza bastante melancólica, musicalizada principalmente por Billie  al piano, y que además incluye una sección de cuerdas, convirtiéndola no sólo en una canción muy hermosa y entrañable, sino en una de las mejores baladas escritas por él.  Tal y como han dicho tanto el frontman de la banda como su productor, ¡Tré! es un final épico para esta trilogía. No “épico” de la manera en que lo fueron American Idiot o 21st Century Breakdown, puesto que estos fueron álbumes creados con un propósito distinto; pero sí, es una manera acertada de describir el cierre de esta nueva etapa de la carrera musical de Green Day.

Una vez más, tuve el placer de escribir una reseña para Oídos Suciosespero que les guste.

Un par de meses después de la salida de ¡Uno!, el primer álbum de la nueva trilogía de Green Day, finalmente llega a nuestros oídos ¡Dos!, el segundo álbum, esta vez con la cara de Mike Dirnt en la portada. Tal y como dijo el mismo Rob Cavallo (productor de la trilogía y de casi todos los anteriores álbumes de la banda) en una entrevista del mes de julio, “si ¡Uno! es la invitación a la fiesta, en ¡Dos! ya estás en la fiesta”. Y no es una descripción errada.

¡Dos! es un álbum bastante enérgico y movido, cosa que lo diferencia un poco de su predecesor. Si bien es bastante corto, provoca repetirlo una y otra vez. Sin embargo, en comparación a ¡Uno!, las canciones tienen menos cohesión entre sí, y la estructura del álbum puede parecer un poco confusa. Mientras que algunas canciones tienen sonidos más hard-rock y power-pop, otras son más garage-rock, más punk, pero en general, no pierden la esencia rock’n’rollera que la banda tomó con el primer álbum de la trilogía. Vale decir que todas las canciones son buenas, y no se siente que ninguna esté de relleno (aunque en mi opinión, le faltó una intro más enérgica, como la tuvo ¡Uno! con “Nuclear Family”).

El álbum empieza con “See You Tonight”, tan sólo con la voz de Billie Joe Armstrong y una guitarra. Le siguen canciones del más puro garage-rock y rock’n’roll: “Fuck Time”, una canción sobre sexo y sadomasoquismo, que fue originalmente grabada y tocada en vivo por el alter-ego de Green Day, Foxboro Hot Tubs; “Stop When The Red Light Flash”, que recicla un poco la melodía vocal y riff de guitarra de “Homecoming”, “Lazy Bones”, con un riff de guitarra muy similar al de “Give Me Novacaine” y unos cambios de ritmo bastante interesantes, y contratiempos y bien ejecutados; “Wild One”, una especie de balada, más lenta y más pesada que las anteriores, con una letra que recuerda un poco a canciones como “Extraordinary Girl”, “Last of the American Girls” o “¿Viva la Gloria? (Little Girl)”, pero sin duda, con una aire mucho más fresco y alegre.

No es sino hasta que llega “Makeout Party”, (una canción que recuerda bastante a los australianos de Jet) que te sientes realmente en una fiesta, con canciones más melódicas y tempos más rápidos. De esto son una demostración perfecta “Stray Heart”, que fue el primer single y una de las mejores canciones del álbum, muy estilo bubblegum, con una línea de bajo bastante pegajosa, y un coro explosivo llenos de guitarras. Es una de las canciones que más recuerda a Foxboro Hot Tubs, pues, como dijo Billie Joe Armstrong, ¡Dos! iba a ser originalmente el segundo álbum de su banda alter-ego; “Ashley”, una canción muy punk, bastante directa, y fuerte en cuanto a su contenido lírico (“I’ve tasted cigarettes and liquor on your breath, you used to call it speed but now it’s crystal meth”), “Baby Eyes”, similar a “Angel Blue”, empieza con un riff de guitarra algo disonante, pero viene cargada de melodías vocales alegres que cuesta sacar de la cabeza después de escucharla; sigue “Lady Cobra”, una canción muy rock’n’rollera, al estilo de Foxboro Hot Tubs, titulada por la cantante del mismo nombre (vocalista del grupo Mystic Knights of the Cobra) y quién además canta (o mejor dicho, rapea) junto a Billie en “Nightlife”, una canción que hay que escuchar más un par de veces para acostumbrarse, puesto que no es lo usual que uno escucharía de Green Day, ni siquiera en sus fases más experimentales. Nos llevan de vuelta a la fiesta con “Wow! That’s Loud”, otro de los puntos fuertes del álbum, con un sonido bastante vintage y un ritmo alegre, donde se escucha mucho la influencia de los Foxboro. El álbum finaliza con “Amy”, de la misma manera que empezó, con Billie y su guitarra, esta vez rindiéndole un homenaje a Amy Winehouse, que falleció en julio del año pasado. Sobre este homenaje a la cantante, Billie comentó: “su muerte fue el año pasado, creo que alrededor de ese tiempo yo sólo pensaba que su música y sus gustos estaban conectados con el soul antiguo y original de Motown Records, Otis Redding, Sam Cooke y cosas así. Creo que fue una gran pérdida porque fue la conexión con una generación a todo esto y es alguien que debería estar aquí ahora. Me sentí muy triste. ¡Oh Dios mío! Esta enorme figura musical que acabamos de perder y ya sabes, eso es horrible”.

¡Dos! es un álbum muy bueno, con un equilibrio perfecto entre pop, punk y rock’n’roll, y que si bien está lleno de canciones nuevas y diferentes, llevan el sello característico de Green Day. Toma escucharlo varias veces para acostumbrarse completamente a su sonido, pero vale la pena completamente.

Pues bien, un par de semanas ya de haber escuchado el álbum me han hecho quererlo un poco más. No sólo al lado fiestero que va desde “Makeout Party” hasta “Wow! That’s Loud”, sino otras canciones como “Wild One” o “Lazy Bones”, que tardaron un poco en acabar gustándome. Es un álbum realmente bueno y adictivo, se los recomiendo mucho.

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El día de ayer, 23 de julio de 2012, se cumplieron 10 años del lanzamiento de I Brought You My Bullets, You Brought Me Your Love, el primer álbum de My Chemical Romance. Para nadie que me conozca es un secreto que, desde hace muchos años, sigo a esta banda, que no sólo ha marcado etapas importantes de mi vida (“etapas”, en plural), sino que además me introdujo a lo que es el punk-rock, uno de los géneros musicales que más he escuchado desde que lo conocí.

Conocí a My Chemical Romance aproximadamente en diciembre de 2004. No estoy completamente claro con las fechas, todo lo que recuerdo de aquel entonces, está basado en lo que iba de mi 9no año de bachillerato. Pero sí, recuerdo que los conocí un día que llegué temprano del colegio, y puse Mtv. En ese entonces, en las horas de la mañana, pasaban un bloque llamado Videorama (no sé si aún existe), donde ponían videos variados, y entre todo lo normal que se podía escuchar usualmente ahí, pasaron el video de “I’m Not Okay (I Promise)”. Captó mi atención desde el primer instante, por la intro de película que tiene, y luego por toda la temática del video en general, algo con lo que se me hacía muy fácil identificarme. La canción, ni hablar; me capturó al instante. El único problema con aquel súbito crush musical, era que se me dificultaba mucho recordar el nombre de la banda. Unas cuantas veces más que el video estuvo en Videorama, bastaron para que se me grabara en la cabeza. Sin embargo, dado que no usaba el Internet en aquel tiempo de la manera que lo uso hoy, no pensé en buscar más música de la banda por ese medio (en serio, ¿en qué estaba pensando?), así que pasé un tiempo sin saber más de ellos. No fue sino hasta que lanzaron el video de “Helena”, que supe que estaba enamorado de aquella banda de New Jersey. Poco después, pude conseguir el álbum (pirata) al que pertenecían aquellos dos singles: Three Cheers For Sweet Revenge (el cual una amiga del colegio me regaló, original, meses más tarde, por mi cumpleaños). No me sabía el nombre de las canciones, ni las letras, pero aún así me las aprendí de principio a fin, y por muchísimo tiempo, no podía escuchar nada más que eso. Harté a mi familia, hice que le gustara a un par de amigos míos, y a los que no, por lo menos hice que se familiarizaran bastante con estos muchachos.

Sin embargo, el día de hoy, no puedo evitar preguntarme: ¿dónde estaba yo, hace 10 años, cuando My Chemical Romance lanzó Bullets? Pues, creo que estaba finalizando 7mo grado de bachillerato, era un niño (y lo seguí siendo por un par de años más), y las únicas bandas que conocía eran Red Hot Chili Peppers y Linkin Park, y no porque las hubiese escuchado en radio o TV (porque mi exposición a la música de ambos medios era completamente nula), sino porque mi hermana mayor los escuchaba de vez en cuando, y gracias a ella, les agarré el gusto. Por aquel entonces, en otra parte del mundo, My Chemical Romance hacía giras por New Jersey, tocando en sótanos y locales pequeños, promocionando este primer álbum, que sonó muy bien pero muy poco; años después, cuando salió Revenge, eran pocos los fans que sabían de la existencia de Bullets, puesto que no tuvo la promoción mediática que merecía. Recuerdo que yo tenía poco más de un año escuchando Revenge sin parar, cuando, gracias a Internet, noté que ellos tenían canciones que no pertenecían a dicho álbum, y empecé a pensar “¿será que ellos tienen otro álbum que yo desconozco?”. Y un día, en el mismo puesto de discos donde había conseguido Revenge, vi Bullets. Y fue como volver a conocer a My Chemical Romance.

Escuchar las voces de un Gerard más joven, las guitarras frenéticas y poderosas de Frank y Ray, y una batería feroz del primer baterista, Matt Pelissier, fue escuchar a una banda completamente distinta. Cada canción se clavó en mí como una estaca. Escuchar las letras del álbum fue toda una experiencia. Y conocer la historia de los Demolition Lovers (amantes de la demolición), dos amantes que, luego de cometer diversos crímenes, murieron juntos en el desierto, hizo que este álbum se volviera tan importante para mí como Revenge, o cualquiera de los álbumes que siguieron.

Este álbum, que nació de los eventos ocurridos en el World Trade Center de Estados Unidos el 11 de septiembre de 2001, tiene un sonido bastante crudo, y aún así, melodioso; sonidos de grandes amplificadores, sin mucho punch pero con mucho poder, guitarras armonizandas de una manera soberbia, una batería que parece no detenerse nunca, un bajo potente y que te hace querer bailar; historias de vampiros, asesinatos, suicidio, destrucción social, vanidad, drogas y alcohol; es tan solo una brevísima descripción de todo lo que encierra este álbum. Es una escucha obligada para todo fan del punk-rock, deja un muy buen sabor de boca, y una muestra de que My Chemical Romance es mucho más que una banda de cabellos teñidos y un fanbase ruidoso.

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Como siempre acostumbro hacer al hablar de un álbum, daré una descripción de las canciones:

1. Romance: haciendo alusión al nombre de la banda, el álbum inicia con esta pieza de guitarra clásica, “Romance”, o “Romance Anónimo”, de autor latinoamericano anónimo.

2. Money, This Mirror Isn’t Big Enough For The Two Of Us: inicia con un sonido de matices oscuras, donde ya se pueden apreciar las geniales armonías de Iero y Toro. Los gritos de Gerard, cantando sobre alcohol y drogas, le dan un aire único a esta canción, que habla de los problemas de adicción que él mismo tuvo, y que estuvieron a punto de acabar con su vida.

3. Vampires Will Never Hurt You: una de mis favoritas de este álbum, una canción que me hizo senti escalofríos de principio a fin, y que habla de uno de los temas favoritos de estos muchachos: vampiros. Las guitarras son muy sutiles aquí, pero el trabajo de Matt en la batería es increíble, y es uno de los mas entrañables para mí.

4. Drowning Lessons: lo primero que tengo que decir de esta canción, es que me da risa. Me da risa que una canción tan melódica pueda ser tan jodidamente macabra. “A thousand bodies piled up I never thought would be enough to show you just what I’ve been thinking, and I’ll keep on making more just to prove that I adore every inch of sanity”. Es pegadiza, y la letra es sencillamente única.

5. Our Lady Of Sorrows: otra de mis favoritas del álbum, la canción más oscura y más punk de todo el álbum, y que irónicamente, habla de la amistad. Aquí no hay melodías bonitas ni voces suaves. Te hace querer gritar y saltar por todas partes. En sus presentaciones en vivo, Gerard usualmente pedía a la gente del público que tomaran la mano de su mejor amigo antes de empezar la canción.

6. Headfirst For Halos: esta canción tiene un gran significado, ya que fue la canción que salvó la vida de Gerard. Suena bonito, pero en realidad, habla del suicidio, que él estuvo a punto de cometer en varias ocasiones. El ritmo que da el bajo de Mikey aquí es increíble, y la canción, en general, es la más movida y más alegre del álbum. Finaliza con un coro épico, con Gerard repitiendo “think happy thoughts!”.

7. Skylines And Turnstiles: el inicio de todo. La primera canción de My Chemical Romance, basada en los hechos del 11 de septiembre de 2001. Gerard, indignado por lo que ocurrió, escribió esta canción, se la mostró a Ray Toro, y así empezó  la banda. Fueron de los primeros en sacar una canción que hablara sobre el tema, ya que la gente se sentía azorada al hablar de este tema, y menos en publicar material en un álbum sobre el mismo.

8. Early Sunsets Over Monroeville: otra increíble canción, con un sonido bastante dulce, donde la composición de la guitarra va de la mano de Frank Iero. Habla de dos amantes que se ven envueltos en un ataque de zombies, donde la mujer es mordida por uno, y él, después de pelear por proteger su vida, debe matarla antes de que ella la mate a él.

9. This Is The Best Day Ever: esta canción habla una vez más, de los amantes de la historia del álbum, que están internados en un hospital con problemas severos, y ambos prometen que el día en que puedan escapar de ese lugar, será el mejor día de sus vidas. Gerard cuenta que esta canción fue escrita en el camino de un hospital al estudio donde grababan el álbum, ya que durante el proceso, él sufría de fuertes dolores dentales.

10. Cubicles: esta es una de las canciones que, a pesar de no ser mi favorita, me parece que es la que tiene la melodía más pegajosa de todas. Recuerdo que cuando conocí el álbum, no podía dejar de tararearla, a pesar de que no me había gustado mucho. Habla sobre rechazo y desamor. Gerard ha comentado que la canción le traía muy malos recuerdos, y que por eso, la banda nunca la tocaba en vivo.

11. Demolition Lovers: mi canción favorita, por sobre todas las demás del álbum, y la que cierra el mismo. Habla del fin de los amantes, que huyen al desierto, donde son fusilados. La letra, si bien puede ser un poco cruda, me parece bastante romántica. Habla de cómo él le declara su amor a ella, su lucha por demostrarle que es única para él, y le dice también que, incluso al momento de morir, él espera tomar su mano y ver sus ojos una vez más. Me parece una de las canciones más representativas del álbum, de la historia que este narra, y de toda la temática del mismo en general, que habla tanto de amor y muerte. Uno puede identificarse muy fácilmente con  todo lo que expresa esta canción, especialmente con el sentimiento de intentar probarte ante una persona que amas. Siempre va a ser una canción muy especial para mí, y siempre será mi favorita de Bullets.

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My Chemical Romance celebró su décimo aniversario como banda hace poco, y ahora, celebran 10 años desde el lanzamiento de lo que significó un despegue lento, pero que los llevó hasta el cielo. De esos diez años, llevo aproximadamente seis siguiéndolos, y han sido años en los que su música ha estado conmigo en diferentes situaciones, enseñándome, haciéndome entender. Y no me queda sino esperar que hoy en día, mientras se encuentran grabando su quinto álbum de estudio, nunca pierdan eso que los hace ser únicos, y que los ha hecho permanecer conmigo todo este tiempo.

“All we are is bullets, I mean this…”

Danger Days: The true lives of the fabulous Killjoys, es el cuarto álbum de estudio de My Chemical Romance, lanzado el 19 de noviembre de 2010. Después de esperar casi cinco años desde el lanzamiento de The Black Parade, finalmente logré escuchar, y posteriormente tener en mis manos esta obra de arte. Luego de darme el tiempo de escucharlo lo suficiente como para que pasara la fiebre inicial, digerirlo bien, analizarlo a fondo, me di el gusto de hacer un review del álbum. Espero que lo disfruten; siéntanse en libertad de comentar u opinar sobre el review o sobre el álbum.

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1.  Look Alive, Sunshine: Esta pista, donde el Dr. Death Defying (o Dr. D) nos introduce al escenario: Battery City, ubicada en California 2019, un mundo desolado y destruido, donde los pocos sobrevivientes son controlados por Better Living Industries (BLi). Donde el único rayo de esperanza contra el dominio del fuerte sobre el débil, son los anti-héroes autodenominados Killjoys (aguafiestas, en español), y son Party Poison (Gerard), Jet Star (Ray), Fun Ghoul (Frank) y Kobra Kid (Mikey). Esto fue lo primero que escuché una noche, hace meses, que llegué a mi casa y vi que My Chemical Romance habia colocado un nuevo video en YouTube. Después de varios años, era la primera cosa “nueva” (lanzada de manera oficial) que escuchaba de ellos. Clickeé “play”, y no entendía lo que escuchaba. Tampoco esperaba lo que vendría.

2.  Na Na Na (Na Na Na Na Na Na Na Na Na): Seguida a la pista anteriormente mencionada, entra esta fabulosa canción que te hace querer correr, brincar, cantar, voltear tu mundo de cabeza. Una mezcla perfecta de un riff de guitarra bastante simple pero pegajoso, letra fuerte, directa, y armonías vocales de Frank y Ray, lo suficientemente buena (y horrorosamente adictiva) como para ser el primer single del álbum. Si bien no es mi favorita, es la más especial de todas para mi, puesto que representa el regreso de mi grupo favorito, verlos y escucharlos nuevos, con ganas de hacer lo que aman.

3.  Bulletproof Heart: Voy a hacer un pequeño paréntesis antes de explicar por qué esta canción es tan especial para mi. Si bien Na Na Na representó para mi el regreso de My Chemical Romance, no solo ésa canción fue lanzada antes de la salida del álbum, sino que fueron lanzadas otras tres canciones, sin contar Party Poison, que por mucho tiempo la conocimos como Death Befote Disco. Eso da un total de cinco canciones que ya conocíamos antes del lanzamiento del álbum. Cuando escuché Bulletproof Heart, tuve esa sensación sobrecogedora de que estaba escuchando realmente, como si de la primera vez se tratara, a un My Chemical Romance nuevo. A medida que la voz de Gerard crece y sientes que viajas por las estrellas con el sonido de la guitarra, entra la banda completa, con un riff de guitarra melodiosamente familiar y un sonido bastante potente.  La canción habla sobre una pareja, Jenny y Johnny, y las dificultades e inseguridades que suponen huir y dejar todo lo que conoces atrás para estar con la persona que amas, contra todos los que se oponen, y de cómo ese amor vence todos los obstáculos. Algo que llamó mucho la atención de la crítica en general, es la mención de Dios hecha en la canción (“Tell the truth and God will save you”), ya que la imagen de My Chemical Romance (especialmente en la época de Three Cheers for Sweet Revenge) ha hecho que la gente los tilde erróneamente de satánicos. Además de esto (podría equivocarme, espero no hacerlo), Gerard nunca antes había mencionado a Dios en canciones anteriores.

4.  Sing: Esta es una de varias canciones que me cuesta describir de manera concisa. Fue la segunda en salir antes del álbum, como un single. Desde el momento en que empieza comienzas a preguntarte qué es. Empiezas a escuchar el mensaje, explota el coro, y ya estás atrapado en un mundo diferente, donde tienes que hacerte escuchar para sobrevivir. “Sing it for the deaf, sing it for the blind, sing about everyone that you left behind”. Musicalmente, no puedo compararla con nada que haya escuchado antes de My Chemical Romance. Pero es tan solo uno de muchos sonidos nuevos que se pueden escuchar en Danger Days.

5.  Planetary (Go!): las sirenas y la voz susurrante te dan una sensación de alarma, mientras que suena la batería y el sintetizador de fondo. “There might be something right past the turn-pike gate, but you’ll just never know”, advierte. Inesperadamente explota una fiesta rítmica de guitarras y teclados que te hace bailar y cabecear (al menos en mi tuvo ese efecto), con una letra que provoca cantar a todo pulmón. En mi opinión, Planetary (Go!) es uno de los puntos fuertes de Danger Days, por la energía que aporta al álbum. Tiene un sonido muy electrónico, muy energizante, algo que realmente no veía venir cuando supe más o menos de qué iba el álbum. La letra es muy impactante, describe la realidad de California 2019: “…Truth is not acceptable, fame is now injectable / faith is unavailable…”.

6.  The Only Hope For Me Is You: Esta canción fue la primera en colarse, o ser lanzada (no sé qué pasó) tiempo antes de siquiera tener la fecha de lanzamiento del álbum. Tiene un ritmo bastante eléctrico, después de una introducción “espacial”, que te guía a través de una canción hermosa, con letras espectaculares, y que recuerda algo a Famous Last Words, en mi opinión. Es una de mis favoritas del álbum. Tengo poco que decir sobre esta canción, ya que de por sí, ella expresa mucho.

7.  Jet Star and the Kobra Kid / Traffic Report: Una pista corta donde nos habla Dr. D informándo sobre un enfrentamiento de Jet Star y Kobra Kid en alguna de las zonas de Battery City.

8.  Party Poison: “¡Todos! ¡El carro tiene el tanque lleno, y los explosivos, empacados en una maleta! La vida es corta, y nos esperan muchos peligros en el camino por el que viajaremos, así que, ¡Bailemos!”, con esta breve introducción en japonés, empieza una de las canciones más fuertes del álbum, conocida durante más de un año como Death Before Disco. Es básicamente una canción anti-fiestas, que va de la mano con lo que representan los Killjoys, “we came to party, kill the party tonight”. Tiene un riff de guitarra y unos arreglos de batería que, si escuchas durante el tiempo suficiente y con el volumen adecuado, te causarán un dolor de cuello por días, y unas ganas incontrolables de acabar con todo.

9.  Save Yourself, I’ll Hold ‘em Back: Esta canción fue la última en ser lanzada por el grupo de manera extra-oficial antes del lanzamiento del álbum. Me hizo pensar en Enter Sandman de Metallica, pero luego me di cuenta de que tiene una actitud muy propia de Seek and Destroy: una pelea entre pandillas, al más puro estilo de los Killjoys. A pesar de ser un poco más lenta que otras canciones, es muy melodiosa y violenta, otra que te hace querer sacudir la cabeza y gritar con todo “we ain’t never leaving this place alive, but if you sing this words we’ll never die”.

10.  S/C/A/R/E/C/R/O/W: No entendía lo que escuchaba la primera vez que sonó esta canción. Una guitarra ligeramente distorsionada, luego una introducción con toda la banda, e inmediatamente entra el coro de voces que advierte: “everybody hide your body from the S/C/A/R/E/C/R/O/W” y te das cuenta de que estás escuchando algo totalmente diferente. Luego escuchas la voz de Gerard distorsionada, con un sonido muy tierno, como distante, cantar la que es, tal vez, la balada más hermosa compuesta por el grupo. S/C/A/R/E/C/R/O/W (espantapájaros) es una unidad policial especial de BLi, que se dedica a perseguir, capturar y (presuntamente) eliminar a los sobrevivientes (“He burns my skin, nevermind about the shape I’m in”, reza la letra). Jenny y Johnny vuelven a hacer aparición en esta canción, escondiéndose, huyendo juntos y protegiéndose el uno al otro de los Scarecrow, como describe la canción: “hold your breath when a black bird flies, count to seventeen and close your eyes, I’ll keep you safe inside”. La canción es muy nostálgica, y muy romántica, vuelve a traer a flote el tema de el amor contra los obstáculos: “Love hill stop this bomb”. Los arreglos de guitarra y la percusión son hermosos. El solo de guitarra, si bien breve, tiene mucho feeling, sin mencionar el increíble uso del vibrato de Ray. Acabó siendo mi favorita de todo el álbum.

11.  Summertime: Lo primero que debo decir sobre esta canción: es toda una obra maestra, completamente fuera de lugar y mal ubicada, nadie en su sano juicio habría colocado Cemetery Drive justo después de The Ghost of You, o Disenchanted después de I Don’t Love You, y tampoco habría colocado esta después de una balada como S/C/A/R/E/C/R/O/W, que es uno de los puntos fuertes del álbum. Fuera de eso, me parece la canción más bonita y romántica del álbum. Amé de esta canción lo mismo que de la anterior: el tema amor contra los obstáculos, la protección hacia un ser querido. Presenta una faceta poco explorada en lo que se refiere a las composiciones del grupo.

12.  Destroya: “¡Salgan de esos cuerpos, Linkin Park!”. Otro elemento que representó el giro que dio My Chemical Romance con Danger Days es Destroya, una canción que definitivamente no podría ubicar en ningún otro álbum. Me han leído mencionar “riff de guitarra” un bazillón de veces, pero lo que me cautivó de esta canción fue la percusión. Tanto los tambores tribales al inicio y el final, como la masacre de batería durante el resto de la canción. Eso, sumado al impresionante esfuerzo vocal de Gerard, y a los ruidos alucinantes de las guitarras (sí, en último lugar), dan lugar a la que considero la canciones más cruda y agresiva del álbum. Ha causado mucha polémica por ser una de las primeras veces (al igual que en Bulletproof Heart) que se escucha a Gerard mencionar a Dios en una canción (“You don’t believe in God, I don’t believe in luck”).

13.  Kids From Yesterday: La parte triste de la historia. La supervivencia, ser lo último que queda del pasado, los “niños del ayer”. Se siente la nostalgia de pensar que ésta podría ser la última gran aventura de los Killjoys en su lucha contra BLi. Es la canción que cierra la historia (y algunos de los conciertos que ha dado el grupo). A pesar de no ser una favorita personal, es muy cautivadora.

14.  Goodnite, Dr. Death: la despedida de Dr. Death Defying antes de poner punto final a la historia, con una última advertencia: no te quedes parado durante mucho tiempo en un solo sitio, o el sol te prenderá en llamas; eso si es que la estática no te atrapa primero.

15.  Vampire Money: Habiendo pasado por los picos altos y bajos de la historia, por canciones alegres y tristes, me preguntaba cómo terminaría el álbum. ¿Qué? ¿Que terminaría con una canción  no solo cruda y rocanrolera, sino burlesca y alusiva a Twilight? Pues sí, es el cierre perfecto para este álbum. La canción nació como respuesta a varias negativas del grupo a escribir una canción para la adaptación al cine de la saga Twilight, ya que no les interesaba ese “dinero vampirezco”. Así, Vampire Money es una demostración de lo que sería una canción de My Chemical Romance para una película de vampiros. Es otra de mis favoritas, y una de las que aporta más energía al álbum, con algo de ese sonido viejo pero fresco que el grupo ya demostró una vez con el cover de Bob Dylan, Desolation Row.

En conclusión, ¿qué pienso de Danger Days? En una época donde todo es hipster, donde todo es emo, donde todo es todo y todo es nada, este álbum tiene un mensaje: Cállate la boca y escucha. Cierra los ojos y disfruta de la música. No intentes ver la música, no intentes catalogar la música.

Art is the Weapon
Your Imagination is the Ammunition.
Stay Dirty, and Stay Dangerous.
Create and Destroy as you see fit.
Embrace your Originality.
The Aftermath is Secondary.
You can and should do Anything

– Frank Iero

Para algunas pocas personas que me conocen bien, no es un secreto que, desde inicios de este año par acá, mi obsesión por Green Day resurgió de las cenizas  al enterarme de que lanzarían un nuevo álbum  Con el pasar de los años, se ha convertido, para mi, en mucho más que música: en un estilo de vida, un mensaje, un ideal, una fuente de inspiración; la sangre que llevo en las venas, el aire que respiro.

Green Day representó mi entrada (bastante tardía) al mundo del rock, con su penúltimo álbum de estudio, American Idiot, en el año 2004. Tras cinco años de silencio, el pasado 15 de mayo, Green Day lanzó, bajo el sello de Reprise Records, su octavo álbum, titulado 21st Century Breakdown. Sin embargo, a través de Facebook, supe con mucha anticipación acerca de este álbum  y no pude evitar emocionarme bastante por el regreso del trío californiano. Antes del lanzamiento del disco, se podían conseguir en Internet versiones preliminares de dos de sus canciones, sin mencionar que pocos días antes del 15 de mayo, se filtró todo el álbum a la red.

Pues bien, han pasado mas de 4 meses desde esa fecha, y la razón por la que no quise escribir una reseña sobre el álbum entonces fue que, de haberlo hecho, habría hablado más la emoción, el hype que yo mismo. Para el día de hoy, tras 4 meses de escuchar una y otra vez 21st Century Breakdown, decidí no dejar pasar más tiempo, ya que sería inútil

21st century breakdown

21st Century Breakdown es un álbum que relata historia de Christian y Gloria, una joven pareja que vive las dificultades del mundo moderno, en pleno siglo XXI, en una América post-George Bush. El album sigue el estilo de Opera-Punk de su predecesor, dándole gran narrativa a las canciones, que, en palabras de Mike Dirnt (bajista), “se hablan unas a otras de la misma manera en que las canciones de Born to Run (álbum del rockero Bruce Springsteen) se hablan unas a otras“.

Sobre sus protagonistas, Christian y Gloria, Billie Joe (vocalista y guitarrista) comenta: “Veo a Christian y Gloria, y soy yo. Gloria es un lado; esta persona trata de aferrarse a su sentido de creencia, sin dejar de hacer bien, mientras que Christian está hundido en sus propios demonios y victimizándose a si mismo por eso”.

El album está compuesto por 18 canciones, repartidas a lo largo de tres actos: Heroes and Cons, Charlatans and Saints, y Horseshoes and Handgrenades.

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Act 1 – Heroes and Cons

1- Song of the Century: himno de apertura del álbum  que describe el ambiente bélico bajo el cual se desarrolla la historia (“The era of static and contraband, leading us into the promised land. Tell us a story that’s by candlelight, waging the war and losing the fight”).

2- 21st Century Breakdown: con esta canción, que da título al álbum  empieza el desarrollo de la historia. Billy Joe comentó que la misma trata sobre crecer en una familia de clase trabajadora. Esto fácilmente se siente a través de la letra de la canción. Se percibe un sentimiento de rabia o resentimiento hacia una generación que Armstrong considera desperdiciada (“My generation is zero“), y que han llevado al colapso el presente siglo; al mismo tiempo, hace alusión a una generación futura, “The Class of 13, born in the era of humility” (el hijo mayor de Billie hijo  se graduará de secundaria en el año 2013) . Más tarde,  se convierte en una descarga de sentimientos reprimidos después de luchar  contra una sociedad opresora y corrupta (“I’ve swallowed my pride and I choked on my faith, I’ve given my heart and my soul”), para terminar con un canto de esperanza (“Oh dream, America, dream…”).

3- Know Your Enemy: esta canción habla sobre reconocer los enemigos que representan la opresión, la violencia, el silencio y el conformismo. Este “himno de rabia adolescente”, como ha sido catalogada por las críticas, fue el primer sencillo y video del álbum.

4- ¡Viva la Gloria!: a partir de esta canción  se empieza a notar un cambio en la atmósfera del álbum  Chrtistian le habla a Gloria, le comenta sobre la guerra, sobre las dificultades que vive el mundo moderno, y de cómo a pesar de todo, la ama incondicionalmente (“…the fight of our lives’ve been drawn to this undying love”). Este le pide que no desista, que se aferre a sus ideales y que no mire atras (“Don’t lose your faith to your lost naivete. Weather the storm, and don’t look back on last november, when your banners were burning down”). Esta canción es una de las cartas fuertes del álbum  se ha convertido en la favorita de muchos; es mi favorita por sobre todas. Resume perfectamente la temática del álbum.

5- Before the Lobotomy: esta canción describe toda una vida llena de sueños y esperanzas antes de una operación (lobotomía). Marca un antes y un después en su vida, siendo el después un completo caos, donde todo lo que queda es tristeza (“Laughter, there is no more laughter”) y desesperanza (“when the sky is falling down, it burns your dreams into the ground”). Posee muchos cambios de tiempo, es una canción que deja un muy buen sabor de boca. y el final es sencillamente épico. Moshii, una lectora, me comentó que esta canción podría verse desde la perspectiva de Gloria, a quien Christian le dice, al final de ¡Viva la Gloria!, “tell me the story of your life”, lo cual tiene mucho sentido. Muchas gracias por la observación.

6- Christian’s Inferno: describe el perfil psicológico de Christian.  Su lucha interna contra sus demonios y el rechazo, toda la ira reprimida dentro de sí  y el infierno que en general, es su vida (“This diabolic state is gracing my existence”). Esta canción es puro bajo y batería, las guitarras de Billie y Jason entran solo en los coros. Una excelente muestra del talento de Mike Dirnt.

7- Last Night on Earth: no estoy muy seguro si esta canción tiene relación con la historia de Christian y Gloria, el hecho es que leí hace un tiempo que Billie Joe la escribió para su esposa. Esta hermosa balada (la primera del album) muestra a alguien que se desvive por su amada, (“with every breath that I am worth here on earth, I’m sending all my love to you”).

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Act II – Charlatans and Saints

8- East Jesus Nowhere: ahora sí hablamos de punk. Con la frase que da inicio a la canción: “And we will see how Godless a nation we have become“, un un ritmo que provoca bailar, unos mutes en las guitarras que gritan mosh y destrucción, empieza el segundo acto del álbum, “Charlatans and Saints”. Esta canción, originalmente titulada March of the Dogs, es, en mi opinion, es una de las obras maestras de Billie Joe y Jason White en las guitarras. Critica fuertemente a las religiones y gobiernos, al control que estos imp0nen o pretenden imponer (“Don’t test me. Second guess me. Protest me. You-will-dissapear”) y al fanatismo ciego que existe con respecto a ellos. No es una canción que puedas escuchar una sola vez. Encripta muchos mensajes, contra uno y contra otro (“Put your faith in a miracle, and it’s non-denominational. Join the choir we’ll be singing in the church of wistful thinking”). Un detalle que me gustó bastante fué un cambio que hizo Billie a una de mis líneas favoritas de la canción cuando Green Day la tocó en los Video Music Awards la semana pasada, y que de cierto modo, cambia el sentido de la frase: “I wanna know who’s allowed to breed all the fucks that never learnt to read. Missionary politicians and the cops of a new religion” (la versión del album lleva “all the dogs that never learnt to read“). Fue lanzada recientemente como single en las radios de Estados Unidos.

9- Peacemaker: Billie destroza su guitarra acústica en esta canción, con un aire totalmente diferente al resto del album, cuya temática gira (segun mi punto de vista) en torno a la infidelidad (“As God as my witness, the infidels are gonna pay”) y la venganza (“Vendetta, sweet vendetta, this veretta of the night”). Es muy buena, y debo advertir que bastante pegajosa.

10- Last of the American Girls: aunque no es de mis favoritas, tiene un no-se-qué que la hace ser genial. Mike Dirnt cree que esta canción trata sobre la esposa de Billie Joe, quien “tiene convicciones muy fuertes y lucha por lo que cree“.

11- Murder City: esta canción me recuerda a “City of the Damned”, uno de los capítulos de la vieja canción “Jesus of Suburbia”. Habla sobre cómo el caos y la desesperación que reinan en la ciudad afectan a Christian (“desperate, but not helpless I feel so usless in the Murder City”), mientras Gloria lo observa llorar, con aparente desinterés (“Christian’s crying in the bathroom, and I just wanna bum a cigarette”) Es otra de las cartas fuertes del album, y una de las canciones mas “vieja escuela” del mismo.

12- ¿Viva la Gloria? (Little Girl): la segunda “Viva la Gloria” del álbum, una canción que sin lugar a dudas recuerda a “Mama” de My Chemical Romance. Gloria está deprimida, su vida se derrumba. En este punto de la historia, Gloria no es la misma de antes, y no representa para Christian un faro de esperanza como lo fue alguna vez.

13- Restless Heart Syndrome: con un fuerte aire a “Boulevard of Broken Dreams”, esta balada cierra el segundo acto de 21st Century Breakdown. Christian se siente enfermo, siente que sus sentimientos lo enferman y lo debilitan, y describe su estado emocional como una enfermedad (“I’m a victim of my simptom, I am my own worst enemy”).

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Act III – Horseshoes and Handgrenades

14- Horseshoes and Handgrenades: esta canción, que da nombre al tercer y último acto, es una descarga personal de Christian hacia Gloria. Christian está harto de todo, de la era donde vive, de las mentiras, y quiere destruirlo todo (“I’m gonna burn it all down, I’m gonna rip it out”).

15- The Static Age: Describe la vida en el mundo moderno como “La Era Estática”, haciendo referencia al auge tecnológico que ahoga a la sociedad. Recuerda mucho a algunas canciones del viejo álbum “Dookie“.

16- 21 Guns: la tercera y última balada del album. En mi opinion, una de las baladas mas hermosas compuestas por Green Day. Billie habla de esta canción como “un saludo para un caído, para una persona que está realmente deprimida” (“Did you try to live on your own when you burned your house and home? Did you stand too close to the fire like a liar looking for forgiveness from a stone?”). Hace referencia al saludo de las 21 armas, un honor militar tradicional. La canción se divide entre desesperanza y esperanza, pero en general, mantiene en alto su tema anti-guerra (“Lay down your arms, give up the fight. Throw up your arms into the sky”), aunque este mensaje puede ser interpretado como “abandonar la lucha” persona de Christian y Gloria.

17- American Eulogy: divida en dos capítulos (“Mass Hysteria” y “Modern World” ), esta canción expresa repulsión hacia el mundo moderno (puede apreciarse en el estribillo: “I don’t wanna live in the modern world”), cuyo desarrollo y destrucción, girando en torno a Christian y Gloria, ha provocado una histeria masiva en América (“America is falling. Vigilantes warning you. Calling Christian and Gloria”). El segundo capítulo de la canción (“Modern World”), cantado casi en su totalidad por Mike Dirnt, es una fuerte crítica hacia las diferencias entre clases (“I want to take a ride to the great divide beyond the “up to date” and the neo-gentrified. The high definition for the low resident, where the value of your mind is not held in contempt”) y a la furia de la gente que forma parte de un sistema corrupto y destruído (“I can hear the sound of a beating heart that bleeds beyond a system that’s falling apart with money to burn on a minimum wage, ‘cause I don’t give a shit about the modern age”).

18- See The Light: canción que cierra el álbum  y que trae un mensaje de esperanza, un fin para una lucha que ha durado demasiado, para una serie de eventos que han cambiado la vida de Christian y Gloria, quienes ahora solo buscan un sentido para su vida e intentan no perder la cordura.

gijoe

Es la primera vez que hago un review de una película, y siendo yo fan de Harry Potter (es lo primero que se me vino a la mente), habiendo visto dos de sus películas teniendo ya este blog, y habiendo salido encantado de cada una de ellas (especialmente de El Misterio del Príncipe) es decir mucho. De igual manera, habiendo disfrutado tanto muchas otras películas, siempre me dio como flojera hablar de ellas.  Sin embargo, tenía que hacerlo con G.I. Joe: The Rise of the Cobra,  lo mejor que he visto no solo este año, sino en mucho tiempo.

Desarrollo: lo primero que debo decir, porque fué mi primer pensamiento (erróneo) al saber de esta película, es que sería un film de acción genérico, que probablemente nadie recordaría en un par de años. QUÉ EQUIVOCADO ESTABA. La película es, básicamente: acción al comienzo, acción después del comienzo, una hora mas de acción, acción al final. No tiene descanso. Te mantiene al borde del asiento en todo momento, con un par de giros en la trama REALMENTE inesperados.  Es increíblemente emocionante, impresionante.

Trama: sencilla, pero sustancial, bastante tela que cortar. Todos los personajes (o bueno, la gran mayoría) tienen un trasfondo oscuro, sumándole puntos al plot principal, y haciendo mucho mas intensa la trama y el desarrollo de la misma.  Hay una sorpresa al final de la película para quienes pensaron, como yo, “¡DEBERÍAN HACER MAS PELÍCULAS DE G.I. JOE!”

Efectos especiales: diría que 8/10. Los escenarios y algunos pequeños detalles a veces se ven un poco irreales,  restándole puntaje en este aspecto, pero no por eso deja de ser buena, todo esto se compensa con la constante acción.

Reparto: las bellísimas Rachel Nichols y Sienna Miller no son el único atractivo de esta película. Cuenta también con actores como Marlon Wayans (“White Chiks”), Arnold Vosloo (“The Mummy”), entre otros. Repito, a pesar de que la trama es algo sencilla, los actores dieron la talla, en mi opinión. Todos estuvieron excelentes, y quisiera hacer una mencion honorífica para los ninjas, Ray Park como Snake Eyes y Byung-hun Lee como Storm Shadow, quienes brindaron algunas de las mejores escenas de acción de la película.

Por tratarse de una película de acción con muchos efectos especiales y personajes con diferentes habilidades o especialidades, mi impresión general fué: una mezcla perfecta de Mortal Kombat, Star Wars, y muchas otras películas de acción. 10/10m tienen que verla.